まず、あなたの基本的なバックラウンドを教えて下さい。生まれ育った場所はどこですか？

Luke : 生まれは1981年、オハイオ州コロンブス。15歳までコロンブスで過ごして、高校に進学するために、アメリカ北東部にあるニューハンプシャー州へ移った。そこからボストンにあるマサチューセッツ芸術大学へ通って、オレゴン州ポートランドへ移るきっかけと出会ったというわけさ。

現在はオレゴン州ポートランドを拠点としているそうですが、ポートランドは以前住んでいた場所での暮らしと比較していかがですか？ポートランドには独自のアンダーグラウンドな音楽シーンがあるかと思います。それについてどう思われますか？

Luke : ポートランドでの生活は自分にすごく合ってると思う。信じられないくらい美しい街だから、木々や火山に囲まれたもっと大きな街に住んでるような気分になって、コンクリートやレンガの外がどんな感じなのかを思い出せるよ。ニューヨークやサンフランシスコ、シカゴなんかの他の大きな都市と比べたら、生活費もそんなにかからないしね。音楽シーンについて言えば、一緒にプレイできる友達にたくさん出会えて、とてもラッキーだと思ってる。シーンの中でもさらに小さなグループに分かれてすぎてはいるけど、おもしろい音楽に溢れた街だよ。

あなたが自分で音楽を始めるようになったきっかけなどがあれば教えてください。
また、子供の頃にクラシック・ピアノを学んでいたと聞いています。ピアノを始めたきっかけなども教えて下さい。

Luke : ピアノを始めたのは4歳のときで、たくさんあった習い事のうちのひとつだったんだ。いい腕の訓練になった記憶はあるけど、音楽の理論についてはあまり覚えてないな。大きくなるにつれて、母親があらゆるスポーツを習わせていたから、ピアノもだんだん義務的なことになってしまったんだ。毎日ピアノの前に座らされて、タイマーできっかり30分、っていう具合にね。よく親が考えるような、子どもにいろんな経験をさせうう、っていうやつだったんだろうけど。13歳のときに、これ以上スポーツに集中するのはやめようと思った。サッカー、体操、ダイビング……名前を思いつくようなスポーツは大体やったことがあるよ。再び音楽を始めたのは、ニューハンプシャーに移ってからなんだ。最初の友達に出会ったのもそこだし、初めてバンドでプレイしたのもその時だよ。当時は、60年代と70年代のサイケデリアに強く影響されたフリーインプロビゼーションと、グレイトフル・デッドの曲をプレイしてた。高校を卒業してからは、音楽の学校へ行くのをやめて、ボストンのマサチューセッツ芸術大学（Massartとも呼ばれている）で、ビジュアルアートの勉強をしたんだ。アートスクール時代も半分を過ぎた頃から、曲を書くことに集中し始めた。ラッキーなことに、そういうことが簡単にできる大学だったんだよ。

子供の頃の、音に関する記憶でもっとも古いものはなんですか？　音楽でも音そのものでも、なんでも結構です。

Luke : 僕が生まれる前から、母親はエアロビクスの講師をやっていたんだ。僕がお腹にいる間も授業で教えていて、僕も人生最初の数年間はエアロビ・スタジオの託児所で過ごしたよ。ぼんやりした記憶だけど、スタジオと託児スペースを仕切るガラス窓や、窓の反対側で80年代のダンスビートが響いていたのを覚えてる。

あなた自身はアート・カレッジ出身だそうですが、専門は音楽だったのでしょうか？　大学での専門について教えてください。

Luke : マサチューセッツ芸術大学には、the Studio for Interrelated Mediaというとてもユニークなプログラムがあって、学生は大体4〜5人ずつ、学部に関係なくグループを作れるようになってるんだ。しかもそれぞれ違った専門の先生に教わることができる。例えば、ひとりはコンピューターアートの専門家で、もうひとりはダンス、また別のひとりはビデオアート、という具合さ。結局、ジョン・ホランドが僕の先生になった。彼は、ジョン・ケージのような思想家／作曲家による現代音楽の学校出身で、曲の構造や、型にはまらない様々な作曲方法を教えてくれた最初の人だった。彼と出会うまでは、フリーインプロビゼーションの世界にどっぷり浸かっていたからね。セシル・テイラーのような（それほどおもしろくないにしても）本当の意味でのピアノの自由な演奏方法を練習したよ。ジョンと一緒にやるようになってからは、自分のアイデアを構造化するようになったし、そのおかげで僕の最初の曲ができたんだ。2002年のことさ。
最初は、音楽自体は僕にとっての一番の関心ごとではなかったんだ。それよりもビジュアル作品や木を使ったクラフト作品に没頭してた。もともと、楽器の構造に興味があったから、オーダーメードの楽器を作る木の職人になりたかったんだよ。だけど最終学年も終わる頃までには、録音したり演奏したりを重ねていて、でもこれってアメリカのアート学校では珍しいことなんだよ。大学で音楽を勉強した人はたいてい音楽の学士号を取るけど、僕は美術の学士を取って卒業したんだ。結局はそれが僕のクリエイティブな仕事における方向性を決定して、学校で習うような伝統的なやり方とは違った独特の作曲方法を見つけるヒントになったと思う。

あなたはマルチ・インストゥルメンタリストで、アルバムのクレジットを見ると、ギター、ピアノ、アコーディオン、キーボード、ドラムス、パーカッション、メロディカ、etc.と、とてもたくさんの種類の楽器を演奏されています。その中でも最も自分らしいとあなた自身が思うもの、あるいは自分の基礎になっている楽器はありますか？　また作曲はどの楽器を使って行いますか？

彼らはみんな素晴らしい共演者で、曲を作るうえでもすごく力になってくれてる。僕はときどき、誰かの長所を活かす仕事をするために曲を書くんだけど、そうすると、みんながそれぞれ自分のビジョンを持ち込むから、僕がまったく想像していなかった方向へ進むんだよ。

ダナとはボストンで2001年頃に出会った。僕らはKyla Cech 、Morgan Hobarと一緒にwherewithalっていうアートロック・バンドでプレイしてたんだ。2002年にみんなでポートランドへ引っ越して、それ以来、いくつかのバンドでプレイしてる。彼はポートランドでの僕の親友のひとりだし、古い友達でもある。JOMFのトムは、ポートランドの実験音楽シーンではたくさんの友達とプレイしてて、ダナは数年前からパーカッション・ノイズ担当として彼らとツアーを回るようになったんだ。ダナと僕はツアーメンバーの中心で、他のみんなはそれぞれの都合で長いツアーには参加できないから、各ツアー先で参加してもらう感じだね。「Verbs」のレコーディングでは、マーク・ケイラーとジョナサン・シラフが中心メンバーだったよ。僕らは一年以上も一緒にプレイして、ツアーもいくつか一緒にやった。「Verbs」が完成して、ツアーに出るっていう段階になって、二人はバンドを抜けなきゃならなくなったんだ。二人とも結婚して、マークには子どもができたからね！ そういうわけで、彼らは何ヶ月も旅をするわけにはいかなかったのさ。それでダナと僕は協力して、バンドの活動が終わってしまわないようにタッグを組んだというわけさ。彼とデュオという形でやれてとてもハッピーだよ。始めは、僕らのようなライブをみたことがない人たちがあまりにもたくさんいることに、すごく戸惑ったけどね。結局、僕らの曲にはおおまかな構成しかなくて、ライブによってもう一度、解釈ができるような形になってる。これについては、次の質問で詳しく答えるよ。

例えば、次に挙げるものも、AUの意味の可能性があるものだよ。

Au= Gold 金
Au=Astronomical Unit 天文学的な単位（地球から太陽の距離）
au = フランス語のa(aの上にチョン)という前置詞。しばしばin(to)やat意味する。次にくる短縮形を作り出すために、定冠詞と結合する。

Luke : 大体いつも自分の機材を使ってるよ。ミキサー、Macのラップトップ、マイク数本っていうすごくシンプルなセットだけど。レコーディング最初の3日間をプロのスタジオ（ポートランドのType Foundry Studio）でやったのは今回が始めてなんだ。ここで録音したのは、音が大きい箇所やライブの部分と、僕の家のスタジオには入りきらない数のドラムセットを使った曲。このアルバムの3分の1はType Foundry Studioでレコーディングしたんだ。それが終わってから、原曲を持って自分の屋根裏にあるスタジオで2ヶ月半作業した。必要なときには人を呼んだけど、基本的には一人で進めたよ。実は最近仕事を辞めたばかりで、一日10〜12時間作業に集中できるからはかどってたんだ。

曲のほとんどは、いったんコンピューターのマルチトラックに落としてから、書き直してるよ。ひとつの曲を違うシチュエーションで何度も聴きなおして、その曲が持つエッセンスや音をよく消化した後だと、ライブで出来ることっていうのは、現実的な理由からいって、一番面白い表現方法とは言えないと思う。だからオーバーダブ処理を多用して、ＰＣを作曲の道具として使ってるんだ。でもたいていは、曲に音処理を多く加えたりはしないよ。楽器そのものの音を楽しんでるから。加工したように聞こえるとしたら、それはいくつも録音して層のように重ねて、音や質感を大きくしてるせいだと思う。自分のボーカルでよくやることなんだけどね。

Luke : ポートランドでのリリース記念ショウの映像もyoutubeで見れるよ。
合唱隊もいるよ。

http://www.youtube.com/watch?v=h_BFsRqZhnA
http://www.youtube.com/watch?v=ujXr2eEj6j0
http://www.youtube.com/watch?v=IsoMNzPpCSY

ライブでのバンド編成はいつも変わるものなんだ。地元では大体4、5人で、今のツアーでは2人だけ（他のみんなは家族や仕事があるからね）本当に特別なショーのためには、コーラス隊とドラム隊を合わせて、最高２５人強になることもあるよ。

よく僕らのショウを見ると陶酔的だっていう人がいるよ。何曲も混ぜて演奏したり、曲の合間をあまりおかずに演奏したりするし、たくさんの楽器をあれこれ使ったりするせいかも。セットを変えるときなんかにインプロビゼーションを多用するしね。だから僕らはいつもセットリストをかなり先まで計画してるんだ。その日の気分でどうなるかは変わってくるけど。メンバーの多くはフリージャズやインプロビゼーションの経験があるから、そのおかげで僕らの音楽は流動的で、ステージでも怠けたりしないというわけさ。

君がyoutubeで見たデュオは僕と、ドラムを担当してるJOMFのダナだね。かなり大掛かりなセットでやってて、Nord Stage keyboard、スチールギター、サンプラー、アコーディオン、メロディカ、それにパーカッションがペダルで動かせるようになってるから、何人かが同時に鳴らしてるみたいに聞こえるんだよ。ライブでプレイするメンバーのほとんどは、歌も歌うしパーカッションや他の楽器もやるから、とても順応性のあるライブだね。それと、音にいろんな質感を出すために、まったく静かな状態から大きな音を出したり、早いお祭りのようなテンポからドリーミーでゆったりとしたテンポに変えたりしてるから、ダイナミックに聞こえるんじゃないかな。

ライブとレコーディングの違いは、ドラマティックかどうかだね。曲を書くときはいつも、トラディショナルフォークかジャズの構成を参考にしたアプローチを取ってるんだけど、それぞれのメンバーが再解釈して曲を発展させる余地を残してある。例えば、ファーストアルバムの「Boute」っていう曲は、今では4つのパターンがあるよ。レコーディングは、僕にとって、思いつく限りの要素をひとつのアルバムに描けるチャンスだね。作品の各要素をアルバムというひとつのフォーマットにまとめる経験を得るチャンスなんだ。
ライブはそれよりもオーディエンスとのつながりを意識したパフォーマンスだよ。いつもプレイする場所に敬意をはらって、その場所に合ったプレイを考えているから、何が生まれるか楽しみなんだ。